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Decapitar al caimán

Lorena Ancona

10 de septiembre – 20 de noviembre 2021

 

Madrid

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Antes todo esto era campo
Escena I. Verás un árbol a mitad del camino

Adrián Balseca, Paz Encina, Alberto Martín Menacho

10 de septiembre –  17 de octubre 2021

 

 

Ciclo comisariado  por Lejos lejos

Madrid

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Latent Longing
Nora Aurrekoetxea, Jack
O’Brien y Alfredo Rodríguez
Del 6 al 24 de julio 2021

 

 

Localización off-site
9 French Place E1 6JB

London

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La luz que reflejan los cuerpos
danza dentro de mis ojos
Ouka Leele, Polaroids, 1988
10 de junio – 4 de septiembre

Madrid

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Delta

Martin Llavaneras

10 de junio – 4 de septiembre

 

Madrid

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Decapitar al caimán

Lorena Ancona

10 de septiembre – 20 de noviembre 2021

 

Intersticio está feliz de presentar Decapitar al caimán la primera exposición individual en España de la artista mexicana Lorena Ancona (MX, 1981). Para esta ocasión, la artista presenta obras antiguas y de nueva producción, que investigan la etnografía de los materiales y su relación con los procesos históricos y la memoria, atravesando tanto lo personal como lo colectivo.

Fauces de abismo como entrada a una cueva, en América el caimán es un animal vinculado a la tierra. Es en esta relación de interior, suelo y agua que su presencia representa fertilidad, así como respeto y veneración por la naturaleza y el territorio.

Decapitar al caimán hace referencia al mito Maya de renovación y creación del mundo, relacionado con la idea de inundación en la que se usa la imagen del caimán. Surge como un ser mítico simbolizando la Tierra, que al ser decapitado, de su cabeza brota con fuerza sangre, o lluvia, o liquido esencial para la creación de un mundo que se regenera.

Su capacidad de moverse tanto en el agua como en la tierra, envuelve ideas esenciales del paisaje y le hace guardián del agua preciada, vinculándolo a la agricultura y en particular al maíz. Esta semilla ha sido venerada por haber sido desarrollada en tiempos prehispánicos como la principal fuente que nutrió y originó a civilizaciones americanas, dando la posibilidad, durante miles de años, de dominar un territorio complejo en su naturaleza salvaje.

Partiendo de una exploración de materiales locales, tradiciones prehispánicas y simbologías relacionadas con el sureste de México, la artista toma como referencia pasajes del Códice Madrid y del Códice de Dresde. Ambos testimonios escritos Mayas han sido de los pocos que han sobrevivido a la conquista, al haber sido quemados la mayoría de ellos en lo que se conoce como el Auto de fe de Maní, cuando Fray Diego de Landa incineró gran cantidad de objetos sagrados y cientos de códices Mayas.

Al borde de una era en la que la naturaleza se acerca hacia un límite inminente de desgaste, decapitar el caimán se antoja como el ritual fundamental de desprendimiento y regeneración.

 

Lorena Ancona (MX, 1981) trabaja con escultura y cerámica, tejiendo a través de la historiografía de tintes, pigmentos, materiales naturales y lugares mesoamericanos. Su trabajo es el resultado de una práctica basada en la investigación que cuestiona los desplazamientos intangibles de tradiciones, patrimonio e identidades olvidadas. Utilizando técnicas especulativas como metodología artística, su trabajo busca un potencial de conocimiento en el análisis e identificación de entornos bioculturales minerales y étnicos. Ancona ha estudiado en el École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de París y en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado La Esmeralda. Recientemente, ha formado parte de exposiciones colectivas en el Palais de Tokyo de París o la galería Carreras Múgica de Bilbao. Este mes de Septiembre formará parte de un simposio en el British Museum de Londres en el que se tratará el azul Maya y su valor cultural e histórico.

Descargar nota de prensa + CV (PDF)

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Antes todo esto era campo
Escena I. Verás un árbol a mitad del camino

Adrián Balseca, Paz Encina, Alberto Martín Menacho

10 de septiembre –  17 de octubre 2021

 

 

Ciclo comisariado  por Lejos lejos

Intersticio x Lejos lejos | Ciclo: Antes todo esto era campo | Escena I

Antes todo esto era campo
Escena I. Verás un árbol a mitad del camino
Adrián Balseca, Paz Encina, Alberto Martín Menacho
10 de septiembre – 17 de octubre de 2021
Ciclo programado por Lejos lejos

Salimos juntas de casa y recorremos el camino largo y estrecho que lleva al árbol. El viento nos acompaña y huele a jazmín. Nos adentramos en la selva, donde los fantasmas nos recuerdan lo que no debemos olvidar. Con dolor, salimos a la vereda y nos encontramos entre encinas. El sol pega fuerte en la nuca, los perros están atentos. Llegamos a mi barrio, tu barrio. Hay flores. Nos acercamos al árbol y caemos. Caemos en una zanja tan profunda que nos lleva de regreso a casa.

*

Antes todo esto era campo es un ciclo audiovisual compuesto por dos escenas en las que existen distintas maneras de relacionarse con el entorno tanto rural como urbano a través de la memoria. La primera escena sucede entre el 10 de septiembre y el 17 de octubre; la segunda, entre el 28 de octubre y el 20 de noviembre, ambas en la sala de abajo de Intersticio.

Las obras presentadas en el ciclo permiten experimentar recuerdos ajenos convirtiéndolos en propios, abriendo así posibilidades para la comprensión del otro. En el entorno está cifrada la memoria: árboles y ríos contienen recuerdos de infancia, las montañas y encinas cuentan leyendas y los perros guardan miedos ancestrales.

La agencia y sensibilidad vegetal están presentes en las tres películas que conviven en la primera escena del ciclo: Verás un árbol a mitad del camino.

Las encinas preservan la memoria colectiva y son partícipes de las leyendas en Mi amado, las montañas (2017), de Alberto Martín Menacho (Madrid, 1986). En un pequeño pueblo extremeño donde nació su familia, los buitres llevan a cabo rituales, los habitantes intercambian conocimientos entre generaciones y una jóven mujer inicia un nuevo camino más ligera.

En la obra de Paz Encina (Asunción, Paraguay, 1971), el árbol se convierte en una suerte de guardián espiritual de la memoria. Ante la masiva deforestación en Paraguay, Paz se preocupa por la preservación del bosque y la protección de las comunidades que lo habitan. El aroma del viento (2019) reúne imágenes del bosque del Gran Chaco junto a imágenes de archivo cotidianas durante la dictadura de Stroessner. Los sueños se entrecruzan con el recuerdo, generando una nueva memoria familiar que se encuentra contenida en el árbol.

Las dinámicas generadas a partir del extractivismo y sus consecuencias medioambientales en América Latina son asimismo temas que atraviesan el trabajo de Adrián Balseca (1989, Quito, Ecuador). Recientemente, Adrián ha presentado su trabajo en la 34 Bienal de São Paulo, que tiene como una de las premisas curatoriales el verso del poeta amazónico Thiago de Mello: Faz escuro, mas eu canto [Está oscuro, pero yo canto], como un llamado a la resistencia en los tiempos oscuros que vivimos, en concreto en el contexto brasileño. Los valores que subyacen en la ocupación y la violencia ejercidas hacia el territorio y el impacto de la tecnificación del trabajo son cuestiones en las que indaga Adrián en The Skin of Labour (2016), configurando un paisaje sombrío que representa una plantación de caucho en la Amazonía ecuatoriana. Los recipientes de recolección de látex toman la forma de una mano, una presencia fantasmagórica que encarna las relaciones laborales históricas en la región.

Llegamos a mi barrio, tu barrio. Hay flores. Nos acercamos al árbol y caemos. Caemos en una zanja tan profunda que nos lleva de regreso a casa.

Andrea Celda y Elisa Celda
Lejos lejos

*

El aroma del viento
Paz Encina
Paraguay | 2019 | Film Super 8 | 21 min

The Skin of Labour
Ecuador | 2016 | 16 mm | 10 min

Mi amado, las montañas
Alberto Martín Menacho
Suiza-España | 2017 | 24 min

*

Paz Encina (Asunción, 1971) es cineasta. Se graduó como Licenciada en Cinematografía en la Universidad del Cine de Buenos Aires. Su primer largometraje Hamaca paraguaya (2005) fue estrenado en el Festival de Cannes en la sección Un Certain Regard, donde obtuvo el premio Fipresci de la prensa especializada a la mejor película. Ganó además otros galardones destacados como el Premio Luis Buñuel a la mejor película Iberoamericana y el Premio Príncipe Claus para la producción de la película. En 2016 estrenó su segundo largometraje, Ejercicios de memoria en la sección Zabaltegi del Festival San Sebastián y recibió importantes reconocimientos como el Premio FICCI al mejor documental o premio de la Crítica en el Festival de Brasilia, entre otros.

Paz Encina realizó además varios cortometrajes e instalaciones como Supe que estabas triste, Hamaca Paraguaya (el cortometraje), Viento Sur, por encargo de la Fundación Gulbenkian, la trilogía Río Paraguay y la trilogía Tristezas de la lucha, compuesta por Familiar, Arribo y Tristezas, Hamaca Paraguaya (la instalación) y Notas de Memoria, instalación urbana para conmemorar los 20 años del hallazgo de los Archivos para la Memoria y Defensa de los Derechos Humanos en Paraguay.

Sus trabajos han sido exhibidos además en espacios como Fondation Cartier pour l’art contemporain, el Harvard Film Archives, en el BAMPFA / Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive y el MoMA de Nueva York. En el año 2018 realizó en Fundación Texo su primera muestra individual de instalaciones y trabajos de corto y largo metraje. En el 2005 fundó Silencio Cine, primera plataforma paraguaya para la producción de cine independiente, productora de sus propios trabajos y de otros realizadores paraguayos. En el año 2016 fundó Silencio Lab, plataforma desde donde imparte seminarios para la formación de jóvenes talentos paraguayos.

Actualmente se encuentra trabajando en su próximo largometraje, La memoria del monte, que incluye instalación de sonido, video y fotografía.

Adrián Balseca (Quito, 1989) es un artista que estudia los procesos histórico-económicos que han sido relevantes para la consolidación del proyecto desarrollista moderno en América Latina.

Balseca recientemente fue seleccionado para la 34a Bienal de São Paulo: Faz escuro, mas eu canto (São Paulo, 2020) y osloBIENNALEN First Edition, Oslo (2019 – 2024). Entre sus muestras grupales e individuales recientes constan: Cosmopolis #2: rethinking the
human, Centre Pompidou, París (2019); 21a Bienal de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil | Comunidades Imaginadas, São Paulo (2019); Contrainformación, 45 Salón Nacional de Artistas / Al revés de la trama, Galería Santa Fe, Bogotá; The Unbalanced Land, Galería Madragoa, Lisboa (2019); Estela blanca, Ginsberg Galería, Lima (2019); Portadores de Sentido. Arte contemporáneo en la Colección Patricia Phelps de Cisneros, Museo Amparo, Puebla (2019); Draw a Line to Make a Landscape, Alexander and Bonin, New York (2018); Horizonte de sucesos, OTR Espacio de Arte, Madrid (2017); Energ(ética), Monumento a los Héroes, Bogotá (2017); DURA LEX SED LEX, BIENAL SUR, Rosario; Horamen, Museo de Arte Precolombino Casa del Alabado (2017); The Skin of Labour, Galería Madragoa, Lisboa (2016); Ultralocal, CEAAC, Strasbourg (2016); Premio Nacional Nuevo Mariano Aguilera 2015-2016, CAC, Quito (2016).

En 2018 recibió mención de honor en la 14a Bienal de Cuenca: Estructuras vivientes. El Arte como experiencia plural, Cuenca (2018) y el Premio de Producción de Video Arte 2019 de la Han Nefkens Foundation – CAC Quito. Ha recibido el Premio Nacional de Artes Mariano Aguilera 2015 – 2016, CAC, Quito (2015); Programa de Becas y Comisiones 2015, Cisneros Fontanals Art Foundation – CIFO, Miami, (2015); Premio París, 12a Bienal Internacional de Cuenca: Ir para volver (2014) Premio Brasil, CAC, Quito (2013), y la 1era Mención de Honor, Salón Nacional Mariano Aguilera: (Des) figuraciones, CCM, Quito (2007). Balseca fue miembro fundador del grupo La Selecta-Cooperativa Cultural, y parte del colectivo de arte comunitaria Tranvía Cero, ambos con sede en Quito.

Alberto Martín Menacho (Madrid, 1986) es un cineasta diplomado en Artes visuales por la Haute école d’art et de design – HEAD de Ginebra. Actualmente es artista residente de la Casa de Velázquez, Academia de Francia en Madrid. Su primer largometraje, Antier noche, en desarrollo, forma parte de la residencia Ikusmira Berriak del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y The Screen – ECAM.

Sus obras han sido presentadas en centros de arte y festivales de cine, entre ellos el Musée de l’Elysée, el Filmmuseum de Munich, las Journées de Soleure, el Festival International Entrevues de Belfort o el Festival Internacional de Cine de Róterdam. En 2018, su película Mi amado, las montañas recibió el premio al mejor cortometraje en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas y el premio Penínsulas en el Festival Internacional de Cine Curtocircuíto.

Lejos lejos es una productora independiente dedicada a la creación y programación audiovisual. Surgió en 2018 entre un grupo de cineastas y agentes culturales que trabajan en colectivo, para desarrollar proyectos actuando como agente intermediario entre la escena artística y la industria del cine. Programan en centros culturales, festivales y cines a nivel internacional, implicándose en todas las fases de producción de los diferentes proyectos.

Actualmente están produciendo Se van sus naves, de Óscar Vincentelli (coproducción con Dvein Films), Tetuan, Tetuán, طتوان, de Adrian Schindler, (en colaboración con Anna Manubens y con el apoyo de MACBA y CNAP) y El alto de las palomas de Alberto Martín Menacho. Se encuentran en la fase de distribución de La sangre es blanca de Óscar Vincentelli (premio Flash Competition de FID Marseille 2021 y Premio Penínsulas 2020 del Festival Curtocircuíto).

Sus producciones han sido presentadas en festivales como IDFA (Holanda), Curtocircuíto (España), FID Marseille y Documenta Madrid (España). Han comisariado exposiciones y programado en centros culturales y salas de cine como Kino Tonalá y Cine Tonalá (Ciudad de México), Byte Footage (Argentina) o Nave Pilarica. Como parte de su proceso de trabajo colectivo, participan en actividades educativas a través de talleres en el Museo Nacional Reina Sofía e Inland Campo Adentro.

Descargar nota de prensa + CV (PDF)

Descargar prensa de la exposición (PDF)

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Vista de exposición

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Alfredo Rodríguez
NGC, 2021
Gelatina de plata sobre papel RC,
resina y hard coat
47 x 35 cm

 

Alfredo Rodríguez
NGC, 2021
Gelatina de plata sobre  papel RC,
resina y hard coat
47 x 35 cm

 

Alfredo Rodríguez
NGC, 2021
Gelatina de plata sobre papel RC ,
resina y  hard coat
47 x 35 cm

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Nora Aurrekoetxea
Makila 2, 2021
Hierro forjado
185 x 6 x 42 cm

 

Jack O’Brien
rib touches, 2019
Silicona, pigmento y aluminio
Dimensiones variables

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Detalle de:

Jack O’Brien
Come down, and around, 2018
Silicona, mortero, crin de caballo
trenza, cuero, aluminio y
bridas
Dimensiones variables

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Detalle de:

Jack O’Brien
Drill Sequence III
(Lethargy), 2020
Revistas, goma, flores
flores, silicona, acero y tela
35 x 25 x 40 cm

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Latent Longing
Nora Aurrekoetxea, Jack
O’Brien y Alfredo Rodríguez
Del 6 al 24 de julio 2021

 

 

Localización off-site
9 French Place E1 6JB

La exposición está abierta sólo con cita previa.
Si desea visitarla, póngase en contacto con london@interstic.io.

SUPER Preview e Intersticio, en colaboración con Valeria Biamonti, se complacen en presentar Latent Longing, una exposición con obras de Nora Aurrekoetxea, Jack O’Brien y Alfredo Rodríguez.

Totalmente sutil pero sorprendentemente emotiva. Los materiales humildes y las líneas abstractas no enajenan; la exposición se esfuerza y triunfa, bellamente seductora. De tipo personal, a veces torturado, pero verdaderamente sobrio, los palos de hierro Makila de Nora Aurrekoetxea alcanzan, refuerzan y empujan. Distorsionan, deforman y arañan en una exploración formal entre la estructura y el ornamento. La calma íntima y apasionada de la obra de Alfredo Rodríguez es visible en las cristalizadas miradas efímeras que cuelgan alrededor de los cuerpos en el espacio-tiempo. Y la obra intensamente curiosa y vulnerable de Jack O’Brien, cuyos materiales se despliegan con ingenio, está cargada de erotismo. Suaves inspecciones de nociones como la vergüenza y el tabú. Hay algo latente -en el sentido más estricto- que se manifiesta aquí. Aurrekoetxea navega y explota la tensión entre la esfera cultural incrustada y la materialidad. Con el caucho, la silicona y los rizos de flores secas de O’Brien, no hay una veneración sensiblera de los materiales marginados. Por el contrario, hay una especie de magnanimidad hacia ellos. La devoción de Rodríguez por el proceso fotográfico per sé conduce a un compromiso único con el medio. Casi como un rechazo a las insuficiencias transitorias de lo digital. No hay apatía en las ambigüedades hábilmente y honestamente exploradas del anhelo abstracto y a la vez concreto que hay detrás de estas obras. Aurrekoetxea, O’Brien, Rodríguez: tres artistas que trabajan de forma diferente y diligente en la tangibilidad de lo abstracto, llegando a algo presente pero invisible. Las obras son positivamente serias, y extienden una invitación a acercarse, a tocar con los ojos.

Valeria Biamonti

 

Nora Aurrekoetxea (Bilbao, 1989) es una artista que desarrolla su práctica a través de la escritura, la escultura, la performance y la instalación. Su obra explora los puntos de encuentro entre lo tangible y lo intangible, la materialidad implicada en las emociones, las interacciones y las relaciones personales íntimas entre los seres humanos, así como el entorno que habitan. A Aurrekoetxea le interesa explorar las cualidades relacionales, simbólicas y lingüísticas implicadas en el material, como punto de partida para forzar encuentros o desplazamientos entre lo físico y lo emocional (intocable). Sus instalaciones persiguen una inestabilidad radical en la que la materialidad quiere alcanzar su propia autonomía. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (Bilbao, España) y tiene un máster en Escultura por el Royal College of Art (Londres, Reino Unido) y actualmente cursa un Postgrado de Sexología Avanzada en In.ci.sex. (Madrid, España). Recibió la Beca de la Fundación Botín en 2017 y ha sido artista en residencia en BilbaoArte (2015), Cité Internationale des Arts de París (2018), el Solomon R. Guggenheim de Nueva York (2018) y Youkobo Art Space, Tokio (2022). Ha sido galardonada con la beca de producción del Gobierno Vasco (2018 y 2019), el premio ARCO de la ciudad de Madrid (2020) y ERTIBIL (2020 y 2021). Entre sus exposiciones recientes destacan una individual en Intersticio (Londres, 2020), la galería Juan Silió (Madrid, 2020) o colectivas como Claro del Bosque en Intersticio (Madrid, 2020) y We Are Always On Danger Of Magic en la galería Rodríguez (Poznan, 2021). Su obra forma parte de la colección permanente del museo Ca2m (Madrid, España) y del Centro Botín (Santander, España). Aurrekoetxea está representada por Intersticio y Juan Silio. Vive y trabaja en Holanda.

Jack O’Brien (Boston, Reino Unido, 1993) explora la relación entre el entorno construido, el material, la cultura y la estética marginal. Su práctica yuxtapone materiales industriales y artesanales junto a objetos encontrados y personales, como acero, madera, flores secas, calcetines, papel impreso, trenzas de crin de caballo, caucho, hormigón y látex. Basándose en el diseño industrial y de moda, la creación de imágenes y la práctica arquitectónica, el artista crea esculturas emotivas y directas que consideran las historias políticas e ideológicas del consumo y la producción del deseo. La obra de Jack O’Brien ha sido ampliamente expuesta en presentaciones individuales y colectivas, en una serie de organizaciones dirigidas por artistas que se sitúan en el centro de la escena artística emergente de Londres, junto a respetadas salas y galerías LGBT del Reino Unido e internacionales. Entre 2016 y 2021, estas han incluido White Cubicle Gallery, clearview.ltd, Pervilion, One Room y Becky’s (todas en Londres). Las exposiciones internacionales incluyen KEM (Varsovia) o Peres Projects (Berlín). Jack O’Brien vive y trabaja en Londres.

 

Alfredo Rodríguez (Madrid, España,1976) trabaja en torno al medio fotográfico, sometiéndolo a procesos experimentales de complejidad variable en su estudio y laboratorio. Como punto de partida en su práctica, Rodríguez suele tomar imágenes referidas al cuerpo que acaban transformándose en una presencia equívoca, alejándose de la singularidad de la fisonomía y acercándose a una idea de carne expandida. El tiempo de la química, los materiales fotosensibles, la luz, el cuerpo de su pareja y la huella material de lo fotográfico atraviesan todas las fases de este proceso, dando lugar a un deseo de borrar o a un desvanecimiento del tiempo de la imagen. De este modo, su investigación persigue una conservación enloquecida de lo efímero, al intentar (o «mientras») dotar al conjunto de acontecimientos y materiales de una permanencia estable, como si se tratara de una cristalización. Rodríguez está representado por Espacio Valverde en Madrid y ha expuesto recientemente en el Museo Centro de Arte 2 de Mayo (CA2M) de Madrid, Montecristo Project (Cerdeña), Matadero (Madrid), Sala Arte Joven (Madrid), galería ATM y el Istituto Europeo di Design, entre otros. Estudió fotografía en la Escuela de Arte 10 y se especializó en Historia de los Procesos Fotográficos en la ESCRBC de Madrid. Alfredo Rodríguez trabaja y vive en Madrid, España.

 

Descargar nota de prensa + Bio artistas (PDF)

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Vista de exposición

Fotografía: Pablo Gómez-Ogando

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

Ouka Leele
Sin título, 1988
Polaroid gigante
70 x 55 cm (sin enmarcar)

 

Ouka Leele
Sin título, 1988
Polaroid gigante
70 x 55 cm (sin enmarcar)

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Ouka Leele
Flamenco, 1988
Polaroid gigante
70 x 55 cm (sin enmarcar)

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Vista de exposición

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Ouka Leele
Sin título, 1988
Polaroid gigante
70 x 55 cm (sin enmarcar)

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Ouka Leele
Sin título, 1988
Polaroid gigante
70 x 55 cm (sin enmarcar)

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Ouka Leele
Sin título, 1988
Polaroid gigante
70 x 55 cm (sin enmarcar)

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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La luz que reflejan los cuerpos
danza dentro de mis ojos
Ouka Leele, Polaroids, 1988
10 de junio – 4 de septiembre

Intersticio Madrid está feliz de presentar la primera exposición individual en la galería de Ouka Leele.

La Luz que refleja los cuerpos danza dentro de mis ojos, presenta una colección de fotografías Polaroid de la fotógrafa española Ouka Leele encargadas por el diseñador francés Philippe Model y tomadas en 1988 en París. Para la ocasión, la artista retrató la colección de accesorios de la diseñadora en diferentes lugares que proyectó desde su imaginario, utilizando una cámara polaroid gigante. Esta máquina era la única en Europa en ese momento que podía producir imágenes instantáneas de 50 x 60 cm y fue transportada de Frankfurt a Jouy-en Josas (Francia) para la ocasión. La serie, 26 fotografías en total, se presentó por primera vez en la Fundación Cartier en 1988, en el marco del Mes de la Fotografía de la ciudad de París.

Ouka Leele nace en Madrid en 1957, su nombre real es Bárbara Allende Gil de Biedma. Aunque comienza su carrera como pintora, descubre la fotografía como un medio a través del cual expresar su intensa y natural sensibilidad artística. Es en los años 80 en Madrid durante la “movida” cuando comienza a mostrar su interés en una variedad de disciplinas artísticas como el dibujo, la serigrafía, la pintura y la literatura, resultando en una serie de fotografías llamadas Iconos de su tiempo. En su trabajo fotográfico se pueden reconocer las referencias a civilizaciones antiguas, historias mitológicas, literatura, y mundos íntimos de familia y amigos, ambientados en diferentes escenarios, incluyendo retratos y autorretratos. Sus fotografías sin editar, que son normalmente pintadas a mano en un intento de mostrar la naturaleza humana y de revelar las conexiones entre la vida, las emociones y su traducción al lenguaje artístico.

En 2004 ganó el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid y en 2005 el Premio Nacional de Fotografía. Sus obras pueden encontrarse en numerosas colecciones pública y privadas incluyendo La Colección Arco (Madrid), La Fundacion Cartier (París), La Fundación La Caixa (Barcelona), El Instituto Cervantes (Lisboa), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Tabaco Gitanes (Pares) o el Archivo Lafuente (Cantabria) entre otros. Actualmente tiene una retrospectiva en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, como parte de la edición del Festival de Photoespaña de 2021.

 

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Vista de exposición

Fotografía: Pablo Gómez-Ogando

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Martin Llavaneras
Medicane (Kew), 2021
Termoplástico
135 x 110 cm

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Detalle de:
Martin Llavaneras
Medicane (Kew), 2021
Termoplástico
135 x 110 cm

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Detalle de:
Martin Llavaneras
Medicane (Kew), 2021
Termoplástico
135 x 110 cm

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Martin Llavaneras
Untitled (Kew), 2021
Aluminio y nidos
85 x 60 x 10 cm

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Detalle de:

Martin Llavaneras
Untitled, 2021
Aluminio y nidos
85 x 60 x 10 cm

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Martin Llavaneras
Untitled, 2019
Papel gofrado

Edición de 10
78 x 56 cm

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Martin Llavaneras
Garsa, 2021
Arena, materiales orgánicos
Dimensiones variables

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Vista de instalación

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Martin Llavaneras
Untitled, 2019
Papel gofrado

Edición de 10
78 x 56 cm

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Martin Llavaneras
Medicane, 2021
220 x 135 cm (díptico)
110 x 135 cm (pieza individual)

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Detalle de:
Martin Llavaneras
Medicane, 2021
220 x 135 cm (díptico
110 x 135 cm (pieza individual)

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Delta

Martin Llavaneras

10 de junio – 4 de septiembre

 

Intersticio está feliz de presentar la primera exposición individual de Martin Llavaneras con la galería, incluyendo un nuevo cuerpo de trabajo y una instalación interviniendo el espacio.

 

Los reflejos de luz sobre esta zona encharcada se disponen como una flecha, como una escuadra, como una D. Las golondrinas cruzan de un lado a otro de la valla, después descienden y rozan el agua con sus torsos de plumas. Beben o no beben, se refrescan entre aguas fangosas. “Y qué itinerario tan formidable, la radiación solar, atravesando el universo, circulando por mi estómago tal átomos del naná naná1.”

Días más tarde camino hasta el extrarradio, dejo atrás las naves de Amazon, giro, cruzo, sigo y llego hasta una zona de escombros y barro, vuelvo a cruzar y más allá encuentro el humedal. Un “medicane2” azotó anoche la región y los aviones aterrizan ahora fuera de horario. Desde aquí alcanzo a ver parte de las pistas, la playa y la desembocadura. La arena no es arena ni tampoco barro, el agua se abre paso entre carreteras, marismas y juncos. El ritmo de los aviones contrasta con la quietud del lugar, las corrientes lentas y la sedimentación pausada. El tiempo parece dilatarse hasta ser amorfo.

Después de un rato, sigo caminando hacia el interior del delta. A pocos kilómetros de la ciudad, me adentro en un laberinto viscoso. Cercados y charcos forman un entramado caprichoso y caótico, quizás debido al paso del ciclón. Una brisa fina y húmeda sopla a través de las verjas.

Al fondo una embarcación hace circular la arena que se posa en los bancales de forma caprichosa. Y draga, y draga, y draga. Recorro las marismas entre suelo y charcos, entre un sólido y líquido plagado de bulbos y rizomas. La fertilidad es caótica y contrasta con el orden de las mercancías y personas que la rodean; esperando ser cargadas, desplazadas y reubicadas en posiciones nuevas. Aquí y allá se acumula el follaje, entre el agua dulce y el salitre aparecen especies raras. Del barro surgen unas etiquetas amarillas; arrastradas hasta aquí por el agua y agolpadas unas contra otras. Como el viento que dispersa siglos de taxonomía y objetividad, pasamos de un lugar a otro.

A mi alrededor se extiende un territorio blando como un nido. Este lugar permanece en una descomposición que se mantiene impasible ante mis ojos. Y continúo… De esa observación, de la sensación de deshacerme en un suelo indefinido, me ha quedado un cocktail de frases… “material inconsistente… no como ese flujo de mercancías almacenadas en naves de aeropuerto, que antes de llegar a destino, se pudren.” Hablan mis paseos crepusculares y llegan hasta un punto donde se abre el flujo; donde las cosas flotan y el caudal se expande hasta que el significado se diluye en el cambio de escala.

 

1. El término «piña» se adoptó por su semejanza con el cono de una conífera; la palabra ananá es de origen guaraní, del vocablo naná naná, que significa «perfume de los perfumes». Ananas es una latinización que deriva de la anterior.
2. Un Medicane (de las palabras en inglés Mediterranean Hurricane) es un fenómeno meteorológico similar a un ciclón tropical que se da con escasa frecuencia en el Mar Mediterráneo.

 

 

Martin Llavaneras (El Segrià, 1983) vive y trabaja en Barcelona. Su práctica se desarrolla a través de la escultura y la instalación, explorando diversas formas de circulación de las materias primas. En su trabajo, Llavaneras se sirve de sustancias que atraviesan y sedimentan cuerpos, objetos y palabras, a la vez que examina los ciclos mediante los que sus significados se almacenan, distribuyen y oxidan. Llavaneras estudió Bellas Artes en Bilbao (UPV), Berlín (HTW) y Barcelona (UB). Entre sus exposiciones individuales destacan «Cau» (POLS, Valencia); «Turbaturbo» (La Capella, Barcelona); “Fruit Belt” (Espai 13 – Fundación Joan Miró, Barcelona); “Humus Recalls Curvatures” (Centro de Arte La Panera, Lleida) y «Reengineering Calcium (Blueproject Foundation, Barcelona). Ha expuesto colectivamente en el Centro del Carme Cultura Contemporànea, Valencia; CAPC — Musée d’Art Contemporain de Bordeaux, Bordeaux; ADA Project, Roma; Yaby, Madrid; Meetfactory, Praga; House of Egorn, Berlín; Atelier35, Bucarest; Saliva, Barcelona, entre otros. Ha recibido premios como Barcelona Producció, Premi Art Nou, Injuve, Beca per a la recerca i pensament de la Generalitat; y ha realizado residencias en el CA2M, Centre d’Art i Natura de Farrera y el MUSAC en León.

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