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ese entredós
Lucía Bayón
18 de febrero – 14 de mayo 2022

Madrid

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Given Time
Marina G. Guerreiro
7 de octubre – 18 de diciembre

London

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Lo otro maravilloso 
Nora Aurrekoetxea, Sarah Bechter,
Michael & Chiyan Ho y Augusta Lardy
11 de diciembre 2021 – 12 de febrero 2022

Madrid

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Decapitar al caimán
Lorena Ancona
10 de septiembre – 20 de noviembre 2021

Madrid

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Lavadero I, 2022
Algodón triturado, almidón
115 x 44 x 15 cm

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Isatide II, 2022
Malla metálica, hilo pulido
de bramante, denim
triturado, almidón
78 x 30 cm

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entretelas (perneras),
2022
Denim, entretela, hilo de
bramante pulido
114 x 38 cm

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Bebedero II, 2022
Cartón, papel, pulpa de
papel, cola
161 x 33 x 24 cm

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Bebedero I, 2022
Cartón, papel, pulpa de
papel, cola
161 x 33 x 24 cm

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Detalle de:

Bebedero II, 2022
Cartón, papel, pulpa de
papel, cola
161 x 33 x 24 cm

 

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ese entredós (C.), 2022
Jesmonite encerado
26 x 36 cm

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ese entredós (B.), 2022
Jesmonite encerado
26 x 36 cm

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ese entredós (J.), 2022
Jesmonite encerado
26 x 36 cm

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ese entredós (L.), 2022
Jesmonite encerado
26 x 36 cm

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Vista de exposición

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Isatide I, 2022
Malla metálica, hilo
pulido de bramante,
denim triturado, almidón
105 x 75 cm

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armar, 2022
Malla metálica, resina
acrílica, trazado en papel
carbón
67 x 42 x 20 cm

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ese entredós (M.), 2022
Jesmonite encerado
26 x 36 cm

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ese entredós (S.), 2022
Jesmonite encerado
26 x 36 cm

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ese entredós, 2022
Jesmonite encerado
26 x 36 cm

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ese entredós (P.), 2022
Jesmonite encerado
26 x 36 cm

Pablo Gómez-Ogando

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Bolsillos, 2022
Denim, entretela
35 x 30 cm

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Sumideros, 2022
Hilo pulido de bramante e hilo de metal tejidos, almidón
64 x 38 cm

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Lavadero II, 2022
Algodón triturado, almidón
74 x 42 x 15 cm

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Lavadero IV, 2022
Algodón triturado, almidón
60 x 45 x 15 cm

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Lavadero II, 2022
Algodón triturado, almidón
74 x 42 x 15 cm

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ese entredós
Lucía Bayón
18 de febrero – 14 de mayo 2022

El título de esta presentación, ese entredós, está tomado de un verso de un poema1 del artista Pepe Espaliú. En una de las últimas obras del artista, El nido, realizada en 1993, caminó en círculos continuos sobre una plataforma montada en lo alto de un árbol durante ocho días, quitándose una prenda cada día hasta que, en el último, queda por completo al desnudo. Moviéndose entre un extremo (totalmente vestido) y otro (totalmente desnudo) en su aprisionamiento de madera, el artista pudo haber encontrado una repentina fluidez del ser: tanto oculto como expuesto, ni cubierto ni desnudo. Atrapado en un espacio de transición, con dos lados tocándose entre sí , su cuerpo formaba un contínuo.

Al igual que Espaliú, Lucía Bayón se interesa por movimientos de circularidad y espacios intermedios, específicamente cuando se trata de la (de)construcción de prendas. La palabra francesa entredeux, de la cual se traduce ‘entredós’, se refiere al estado intermedio entre los extremos, a un mueble colocado entre dos vanos, y, más comúnmente, a un bordado escalonado que une dos piezas de tela. Los agujeros decorativos del bordado se abren a medida que se unen. Es sobre estos ejes que Bayón presenta su nuevo cuerpo de trabajo: una constelación de imaginarios textiles, bajorrelieves y esculturas, conformados por gestos que interrogan las jerarquías materiales y las condiciones de producción.

Extendidas por estas habitaciones hay armaduras azul oscuro reforzadas con pulpa de tela vaquera y rectángulos esbeltos que recuerdan a abrevaderos de agua, remendados con cartón enyesado. Prendas de vestir han sido desenvueltas por sus costuras, sus partes invertidas y dispuestas para formar un nuevo todo. Pliegues ondulantes, escalones y suelas se dibujan sobre arrugas a medida que sobresalen de las paredes. Cada una de estas piezas se basa en procesos que se han convertido en una constante en la práctica de Bayón: horas y horas se dedican a la pulpa de papel y tela, cuyas fibras trituradas asumen una función renovada como materia prima del artista. Combinando métodos de procesamiento industrial y manual, Bayón sostiene un circuito, uno que enreda lo residual en un lento devenir.

En su formulación de las obras, la artista ha tomado la noción de patrón como principio rector. La construcción de patrones de prendas se asemeja a la construcción de un molde. Aquí, un conjunto de piezas planas y abstractas -un bolsillo, una manga de camisa- se unen y ganan volumen. Una plenitud se desarrolla a partir de las superficies.

ese entredós designa un espacio liminal donde los procesos permean entre sí, y regímenes binarios de creación de significado son descartados. A cambio, nos encontramos con una tensión múltiple, con una acumulación opaca de capas, donde la trama ha madurado hacia una materialidad espesa. Las costureras solían ocultar inscripciones privadas en el forro de abrigos y chaquetas; en el reverso de la tela, en el lado que mira hacia el interior de la prenda. Nunca visto por el portador u observador, no están exactamente frente a nosotros, pero tampoco muy lejos.

Dagmar Bosma

  1. [2018] Alcaide, J.(Ed). Pepe Espaliú. La imposible verdad. Textos 1987 – 1993. La Bella Varsovia, Madrid.

     

CV de Lucía Bayón

Hoja de sala + Bio de Artista

Prensa de la artista y de la exposición

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Vista de instalación

Theo Christelis

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Marina G. Guerreiro
Calendario
, 2021
Papel, porcelana,
imanes, pizarra y
rotuladores
40 x 34 cm

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Vista de instalación

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Detalle de:

Mesa, 2021
Plastico, madera
ceramica, papel,
cartón, pegatinas, cuerda, cable,
chocolate, aluminio,
pasta, abalorios,
bisutería, cajas de cartón, piedras, bolígrafos, cera, té, agua, peine, algodón,
acrílico y pintura.
Medidas variables

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Gracias, 2017
Plastico, monedas
y cera
20 x 15 x 6 cm

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Detalle de:

Mesa, 2021
Plastico, madera
ceramica, papel,
cartón, pegatinas, cuerda, cable,
chocolate, aluminio,
pasta, abalorios,
bisutería, cajas de cartón, piedras, bolígrafos, cera, té, agua, peine, algodón,
acrílico y pintura.
Medidas variables

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Vista de instalación

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Detalle de:

Mesa, 2021
Plastico, madera
ceramica, papel,
cartón, pegatinas, cuerda, cable,
chocolate, aluminio,
pasta, abalorios,
bisutería, cajas de cartón, piedras, bolígrafos, cera, té, agua, peine, algodón,
acrílico y pintura.
Medidas variables

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Detalle de:

Mesa, 2021
Plastico, madera
ceramica, papel,
cartón, pegatinas, cuerda, cable,
chocolate, aluminio,
pasta, abalorios,
bisutería, cajas de cartón, piedras, bolígrafos, cera, té, agua, peine, algodón,
acrílico y pintura.
Medidas variables

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Detalle de:

Mesa, 2021
Plastico, madera
ceramica, papel,
cartón, pegatinas, cuerda, cable,
chocolate, aluminio,
pasta, abalorios,
bisutería, cajas de cartón, piedras, bolígrafos, cera, té, agua, peine, algodón,
acrílico y pintura.
Medidas variables

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0, 2021
Cera
42 x 21 x 34 cm

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Detalle de:

Mesa, 2021
Plastico, madera
ceramica, papel,
cartón, pegatinas, cuerda, cable,
chocolate, aluminio,
pasta, abalorios,
bisutería, cajas de cartón, piedras, bolígrafos, cera, té, agua, peine, algodón,
acrílico y pintura.
Medidas variables

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Detalle de:

Mesa, 2021
Plastico, madera
ceramica, papel,
cartón, pegatinas, cuerda, cable,
chocolate, aluminio,
pasta, abalorios,
bisutería, cajas de cartón, piedras, bolígrafos, cera, té, agua, peine, algodón,
acrílico y pintura.
Medidas variables

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Mesa, 2021
Plastico, madera
ceramica, papel,
cartón, pegatinas, cuerda, cable,
chocolate, aluminio,
pasta, abalorios,
bisutería, cajas de cartón, piedras, bolígrafos, cera, té, agua, peine, algodón,
acrílico y pintura.
Medidas variables

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Vista de exposición

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Given Time
Marina G. Guerreiro
7 de octubre – 18 de diciembre

Intersticio está feliz de presentar Given time la primera exposición individual en Reino Unido de la artista española Marina Glez. Guerreiro (1992). Para esta ocasión, la artista presenta diez obras tanto  antiguas como de nueva producción.

Marina González Guerreiro (A Guarda, España, 1992). Con una aproximación instalativa a diferentes medios como la escultura, el video, la fotografía o la pintura, la artista revisa el imaginario iconográfico entorno a la idea de la felicidad, poniendo especial atención en los fenómenos relacionados con las emociones y la gestión del estrés, así como la construcción de una naturaleza idealizada. Su proceso creativo empieza con la acumulación de materiales, convirtiendo el estudio en un espacio de ensayo, donde objetos e imágenes de diversos orígenes conviven escenificando un ritual de lo íntimo. En su práctica, sentimos un preciosismo construido a través de materiales viejos y precarios, así como la búsqueda de un equilibrio entre orden y desorden, control y azar, razón y emoción.

La artista es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca (España) y tiene un Máster en Producción Artística por la Universitat Politècnica de Valencia (España). Algunas de sus exposiciones individuales más recientes incluyen: Una Promesa en Galería Rosa Santos (Valencia, España, 2020), LMXJVSD en Pols (Valencia, España, 2020), Work Hard, Dream Big (Internet Moon Gallery, 2019) y Luchar, creer en Galería Adora Calvo (Salamanca, España, 2018). Ha formado parte de exposiciones grupales como Lifting Belly en Centro centro (Madrid, España, 2020), Una imagen que no duela ni cueste mirar en Sala de arte joven (Madrid, España, 2019), Un gesto que permanece en Salón (Madrid, España 2019) y PAM!PAM!17 en IVAM (Valencia, España, 2017). En los próximos meses presentará exposiciones individuales en ‘Bungalow’ una parte del proyecto de Chertluedde gallery en Berlín (Alemania) y La Casa Encendida (Madrid, España).

 

Texto relacionado de Raúl Lorenzo Pérez + Bio de Artista (PDF)

CV de Marina G. Guerreiro (PDF)

Prensa de la exposición (PDF)

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Sarah Bechter,
Untitled Baroque
Lassitude
With Fever, 2020
Óleo sobre lienzo
70 x 55 cm

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Augusta Lardy,
Underwater Love, 2021
Óleo, cera de abejas,
pastel, pigmento sobre lienzo
150 x 175 cm

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Nora Aurrekoetxea,
KLIT, 2021
Bronce
35 x 25 x 33 cm

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Vista de exposición

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Sarah Bechter,
Untitled (The Unloved
Paiting)
, 2020
Óleo sobre lienzo
170 x 150 cm

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Augusta Lardy,
Love is a banquet on
which we feed, 2021
Óleo y tinta laca sobre
lienzo
18 x 10 cm

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Sarah Bechter,
Untitled (Hi/bye!), 2021
Óleo sobre lienzo y
bisagras de metal
170 x 150 cm
(dimensiones variables)

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Nora Aurrekoetxea,
KANDELABRUA, 2021
Bronce
35 x 24 x 28 cm

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Detalle de:
Nora Aurrekoetxea,
KANDELABRUA, 2021
Bronce
35 x 24 x 28 cm

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Michael y Chiyan Ho,
Das Magische Netz, 2021
Óleo y acrílico sobre
lienzo
55 x 80 cm

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Sarah Bechter,
Untitled (Looking At
Your Enchanting Eyes,
Looking Into My Eyes
), 2020
Óleo sobre lienzo y
cuero
77 x 44 cm

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Detalle de:
Sarah Bechter,
Untitled (Looking At
Your Enchanting Eyes,
Looking Into My Eyes)
, 2020
Óleo sobre lienzo y
cuero
77 x 44 cm

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Vista de exposición

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Augusta Lardy,
Souvenir d’un songe, 2021
Caseína y óleo sobre
lienzo
200 x 157 cm

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Vista de exposición

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Sarah Bechter,
Untitled Baroque
Lassitude
, 2020
Óleo sobre lienzo
170 x 150 cm

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Michael y Chiyan Ho,
Between Lands, 2020
Óleo y acrílico sobre lienzo
35 x 40 cm

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Vista de exposición

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Lo otro maravilloso 
Nora Aurrekoetxea, Sarah Bechter,
Michael & Chiyan Ho y Augusta Lardy
11 de diciembre 2021 – 12 de febrero 2022

Intersticio está feliz de presentar su nueva exposición en Madrid, Lo otro maravilloso, una exposición colectiva que incluye obras de Nora Aurrekoetxea, Sarah Bechter, Michael & Chiyan Ho y Augusta Lardy.

Es en “el otro lado” donde se encuentra la matriz simbólica que da vida a estas obras. El otro lado -el del sueño, la emoción, la intimidad, y las culturas silenciadas- por no estar regido por la norma racional europea, ofrece mayor conexión a “lo real” como fuerza irreductible e irrepresentable desde sistemas lógicos y códigos cerrados. Desde sus intimidades diferentes, lxs artistas de esta exposición colectiva muestran cómo tiene lugar la experiencia de lo maravilloso. Cuando esto ocurre, la atención adormecida por la norma cultural se despierta y la mirada amplía sus sensibilidades integrando “lo otro” en la cartografía de una realidad mágica.

Lo frágil, vulnerable a ser transformado e incluso roto, se vuelve estructura de soporte en el trabajo de Nora Aurrekoetxea. El patrón del trenzado convierte el filamento del pelo en un tejido o entramado resistente. Formada por una multiplicidad de unidades duras y elásticas, la trenza es símbolo de cotidianidad y de fortaleza. Aislada del cuerpo que la lleva o la hace y reproducida en bronce, remite de forma totémica a los espacios de intimidad y cuidado, revelando lo maravilloso en su aparente sencillez.

Sarah Bechter muestra la densidad ontológica de los mundos suaves y tiernos, conjurándolos en paisajes vaporosos que subvierten el antagonismo visible VS invisible. Así, la realidad que se escapa a la jerarquía dualista de la mente occidental – y que tampoco desea desambiguar su naturaleza- reclama su existencia. Haciendo uso de la transparencia, Bechter encuentra un lugar en el espacio de lo representacional para los afectos que se generan a través del tacto, en entornos cotidianos y domésticos.

Un entramado polifónico de saberes y tradiciones, fetiches, proyecciones y ecos se expresa en la obra de Michael y Chyian Ho. Navegando el entre-voces como cuerpos comunicantes, despliegan un modo de atención que les permite interpretar tanto las
frecuencias más audibles de la hegemonía western, como los rastros de otros sonidos cuya potencia desordena el paisaje. Su práctica artística, relaja los modos de percepción del ego occidental para atender al misterio de un mundo que aparece tan real como maravilloso.

Desde las transfusiones que ocurren entre el día y la noche, la vigilia y el sueño, trabaja Augusta Lardy lo onírico. Como un continuo, la realidad compartida y la intimidad del sueño aparecen en estadios permeables, híbridos. En su pintura, el color compone el sentido emocional de escenas rituales donde el sujeto abandona lo identitario. Lardy sitúa cuerpos sin rostro en “otros” escenarios que, al no participar de la norma cultural social, podrían ser llamados mágicos.

Sara Torres
Universidad de Passau, Alemania

 

CV de Nora Aurrekoetxea Etxebarria (PDF)

CV de Sarah Betcher (PDF)

CV de Michael y Chiyan Ho (PDF)

CV de Augusta Lardy (PDF)

Prensa de exposición (PDF)

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Vista de la exposición

Pablo Gómez-Ogando

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Vista de la exposición

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Vista de la exposición

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Lorena Ancona,

Agua clara, 2021
Monotipo impresión

sobre papel algodón

y tintas de aceite
40 x 60 cm

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Lorena Ancona,

Bobtun, 2019

Cerámica de baja temperatura, pigmentos, aguacal y tela
73 x 13 x 7 cm

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Lorena Ancona,

Laguna, 2021
Monotipo impresión

sobre papel algodón

y tintas de aceite
40 x 60 cm

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Lorena Ancona,

Serpientes como agua

boca y flor, 2021,

Tela de algodón,

pigmentos y tinta

Medidas variables

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Lorena Ancona,

Kawil / Dios del trueno, 2021

Bastidor estucado y agucal

47 x 37 cm

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Lorena Ancona,

Flor, 2021

Monotipo impresión

sobre papel algodón

y tintas de aceite
40 x 60 cm

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Lorena Ancona,

Garza, 2021

Monotipo impresión

sobre papel algodón

y tintas de aceite
40 x 60 cm

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Lorena Ancona,

Pez de jade, 2021

Monotipo impresión

sobre papel algodón

y tintas de aceite
40 x 60 cm

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Lorena Ancona,

Escamas y flor, 2021

Tela de algodón,

pigmentos y tinta

Medidas variables

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Lorena Ancona,

Noche, 2021

Monotipo impresión

sobre papel algodón

y tintas de aceite
40 x 60 cm

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Lorena Ancona,

Hojas y serpientes, 2021

Monotipo impresión

sobre papel algodón

y tintas de aceite
40 x 60 cm

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Lorena Ancona,

Orquídea y pez, 2021

Escultura colgante de soga

de yute y piezas cerámicas

en alta temperatura

con esmaltes

Medidas variables

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Lorena Ancona,

Máscara con serpientes, 2021

Monotipo impresión

sobre papel algodón

y tintas de aceite
40 x 60 cm

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Lorena Ancona,

Touch of a palm, 2019

Cerámicas cocidas a baja

temperatura, pigmentos,

baño de cal y pintura

de pared

175 x 39 x 17 cm

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Lorena Ancona,

Caimán y flor, 2021

Monotipo impresión

sobre papel algodón

y tintas de aceite
40 x 60 cm

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Lorena Ancona,

Cola de caimán, 2021

Tejido en hilo de yute

y cuentas cerámicas

de alta temperatura

Medidas varibales

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Lorena Ancona,

Heron dance with

jaguar skin, 2019

Cerámicas cocidas a baja

temperatura, pigmentos,

baño de cal y pintura de pared

Medidas variables

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Anterior

Decapitar al caimán
Lorena Ancona
10 de septiembre – 20 de noviembre 2021

Intersticio está feliz de presentar Decapitar al caimán la primera exposición individual en España de la artista mexicana Lorena Ancona (MX, 1981). Para esta ocasión, la artista presenta obras antiguas y de nueva producción, que investigan la etnografía de los materiales y su relación con los procesos históricos y la memoria, atravesando tanto lo personal como lo colectivo.

Fauces de abismo como entrada a una cueva, en América el caimán es un animal vinculado a la tierra. Es en esta relación de interior, suelo y agua que su presencia representa fertilidad, así como respeto y veneración por la naturaleza y el territorio.

Decapitar al caimán hace referencia al mito Maya de renovación y creación del mundo, relacionado con la idea de inundación en la que se usa la imagen del caimán. Surge como un ser mítico simbolizando la Tierra, que al ser decapitado, de su cabeza brota con fuerza sangre, o lluvia, o liquido esencial para la creación de un mundo que se regenera.

Su capacidad de moverse tanto en el agua como en la tierra, envuelve ideas esenciales del paisaje y le hace guardián del agua preciada, vinculándolo a la agricultura y en particular al maíz. Esta semilla ha sido venerada por haber sido desarrollada en tiempos prehispánicos como la principal fuente que nutrió y originó a civilizaciones americanas, dando la posibilidad, durante miles de años, de dominar un territorio complejo en su naturaleza salvaje.

Partiendo de una exploración de materiales locales, tradiciones prehispánicas y simbologías relacionadas con el sureste de México, la artista toma como referencia pasajes del Códice Madrid y del Códice de Dresde. Ambos testimonios escritos Mayas han sido de los pocos que han sobrevivido a la conquista, al haber sido quemados la mayoría de ellos en lo que se conoce como el Auto de fe de Maní, cuando Fray Diego de Landa incineró gran cantidad de objetos sagrados y cientos de códices Mayas.

Al borde de una era en la que la naturaleza se acerca hacia un límite inminente de desgaste, ‘decapitar el caimán’ se antoja como el ritual fundamental de desprendimiento y regeneración.

Lorena Ancona (MX, 1981) trabaja con escultura y cerámica, tejiendo a través de la historiografía de tintes, pigmentos, materiales naturales y lugares mesoamericanos. Su trabajo es el resultado de una práctica basada en la investigación que cuestiona los desplazamientos intangibles de tradiciones, patrimonio e identidades olvidadas. Utilizando técnicas especulativas como metodología artística, su trabajo busca un potencial de conocimiento en el análisis e identificación de entornos bioculturales minerales y étnicos. Ancona ha estudiado en el École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de París y en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado La Esmeralda. Recientemente, ha formado parte de exposiciones colectivas en el Palais de Tokyo de París o la galería Carreras Múgica de Bilbao. Este mes de Septiembre formará parte de un simposio en el British Museum de Londres en el que se tratará el azul Maya y su valor cultural e histórico.

CV de Lorena Ancona (PDF)

Nota de prensa (PDF)

Prensa de la exposición (PDF)