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Latent Longing
Nora Aurrekoetxea, Jack
O’Brien y Alfredo Rodríguez
Del 6 al 24 de julio 2021

 

 

Localización off-site
9 French Place E1 6JB

London

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La luz que reflejan los cuerpos
danza dentro de mis ojos
Ouka Leele, Polaroids, 1988
10 de junio – 4 de septiembre

Madrid

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Delta

Martin Llavaneras

10 de junio – 4 de septiembre

 

Madrid

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Somewhere Along Those Lines
Katarina Sylvan
22 de abril – 19 de junio

London

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Claro del bosque
Josefina de Anjou, Nora Aurrekoetxea, Lucía Bayón, Isabella Benshimol, Julia Creuheras, Diego Delas, Andrés Izquierdo, Maren Karlson, Paul Maheke y Johanna Odersky
13 de marzo – 22 de mayo

Madrid

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Vista de exposición

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Alfredo Rodríguez
NGC, 2021
Gelatina de plata sobre papel RC,
resina y hard coat
47 x 35 cm

 

Alfredo Rodríguez
NGC, 2021
Gelatina de plata sobre  papel RC,
resina y hard coat
47 x 35 cm

 

Alfredo Rodríguez
NGC, 2021
Gelatina de plata sobre papel RC ,
resina y  hard coat
47 x 35 cm

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Nora Aurrekoetxea
Makila 2, 2021
Hierro forjado
185 x 6 x 42 cm

 

Jack O’Brien
rib touches, 2019
Silicona, pigmento y aluminio
Dimensiones variables

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Detalle de:

Jack O’Brien
Come down, and around, 2018
Silicona, mortero, crin de caballo
trenza, cuero, aluminio y
bridas
Dimensiones variables

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Detalle de:

Jack O’Brien
Drill Sequence III
(Lethargy), 2020
Revistas, goma, flores
flores, silicona, acero y tela
35 x 25 x 40 cm

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Latent Longing
Nora Aurrekoetxea, Jack
O’Brien y Alfredo Rodríguez
Del 6 al 24 de julio 2021

 

 

Localización off-site
9 French Place E1 6JB

La exposición está abierta sólo con cita previa.
Si desea visitarla, póngase en contacto con london@interstic.io.

SUPER Preview e Intersticio, en colaboración con Valeria Biamonti, se complacen en presentar Latent Longing, una exposición con obras de Nora Aurrekoetxea, Jack O’Brien y Alfredo Rodríguez.

Totalmente sutil pero sorprendentemente emotiva. Los materiales humildes y las líneas abstractas no enajenan; la exposición se esfuerza y triunfa, bellamente seductora. De tipo personal, a veces torturado, pero verdaderamente sobrio, los palos de hierro Makila de Nora Aurrekoetxea alcanzan, refuerzan y empujan. Distorsionan, deforman y arañan en una exploración formal entre la estructura y el ornamento. La calma íntima y apasionada de la obra de Alfredo Rodríguez es visible en las cristalizadas miradas efímeras que cuelgan alrededor de los cuerpos en el espacio-tiempo. Y la obra intensamente curiosa y vulnerable de Jack O’Brien, cuyos materiales se despliegan con ingenio, está cargada de erotismo. Suaves inspecciones de nociones como la vergüenza y el tabú. Hay algo latente -en el sentido más estricto- que se manifiesta aquí. Aurrekoetxea navega y explota la tensión entre la esfera cultural incrustada y la materialidad. Con el caucho, la silicona y los rizos de flores secas de O’Brien, no hay una veneración sensiblera de los materiales marginados. Por el contrario, hay una especie de magnanimidad hacia ellos. La devoción de Rodríguez por el proceso fotográfico per sé conduce a un compromiso único con el medio. Casi como un rechazo a las insuficiencias transitorias de lo digital. No hay apatía en las ambigüedades hábilmente y honestamente exploradas del anhelo abstracto y a la vez concreto que hay detrás de estas obras. Aurrekoetxea, O’Brien, Rodríguez: tres artistas que trabajan de forma diferente y diligente en la tangibilidad de lo abstracto, llegando a algo presente pero invisible. Las obras son positivamente serias, y extienden una invitación a acercarse, a tocar con los ojos.

Valeria Biamonti

 

Nora Aurrekoetxea (Bilbao, 1989) es una artista que desarrolla su práctica a través de la escritura, la escultura, la performance y la instalación. Su obra explora los puntos de encuentro entre lo tangible y lo intangible, la materialidad implicada en las emociones, las interacciones y las relaciones personales íntimas entre los seres humanos, así como el entorno que habitan. A Aurrekoetxea le interesa explorar las cualidades relacionales, simbólicas y lingüísticas implicadas en el material, como punto de partida para forzar encuentros o desplazamientos entre lo físico y lo emocional (intocable). Sus instalaciones persiguen una inestabilidad radical en la que la materialidad quiere alcanzar su propia autonomía. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (Bilbao, España) y tiene un máster en Escultura por el Royal College of Art (Londres, Reino Unido) y actualmente cursa un Postgrado de Sexología Avanzada en In.ci.sex. (Madrid, España). Recibió la Beca de la Fundación Botín en 2017 y ha sido artista en residencia en BilbaoArte (2015), Cité Internationale des Arts de París (2018), el Solomon R. Guggenheim de Nueva York (2018) y Youkobo Art Space, Tokio (2022). Ha sido galardonada con la beca de producción del Gobierno Vasco (2018 y 2019), el premio ARCO de la ciudad de Madrid (2020) y ERTIBIL (2020 y 2021). Entre sus exposiciones recientes destacan una individual en Intersticio (Londres, 2020), la galería Juan Silió (Madrid, 2020) o colectivas como Claro del Bosque en Intersticio (Madrid, 2020) y We Are Always On Danger Of Magic en la galería Rodríguez (Poznan, 2021). Su obra forma parte de la colección permanente del museo Ca2m (Madrid, España) y del Centro Botín (Santander, España). Aurrekoetxea está representada por Intersticio y Juan Silio vive y trabaja en Holanda.

Jack O’Brien (Boston, Reino Unido, 1993) explora la relación entre el entorno construido, el material, la cultura y la estética marginal. Su práctica yuxtapone materiales industriales y artesanales junto a objetos encontrados y personales, como acero, madera, flores secas, calcetines, papel impreso, trenzas de crin de caballo, caucho, hormigón y látex. Basándose en el diseño industrial y de moda, la creación de imágenes y la práctica arquitectónica, el artista crea esculturas emotivas y directas que consideran las historias políticas e ideológicas del consumo y la producción del deseo. La obra de Jack O’Brien ha sido ampliamente expuesta en presentaciones individuales y colectivas, en una serie de organizaciones dirigidas por artistas que se sitúan en el centro de la escena artística emergente de Londres, junto a respetadas salas y galerías LGBT del Reino Unido e internacionales. Entre 2016 y 2021, estas han incluido White Cubicle Gallery, clearview.ltd, Pervilion, One Room y Becky’s (todas en Londres). Las exposiciones internacionales incluyen KEM (Varsovia) o Peres Projects (Berlín). Jack O’Brien vive y trabaja en Londres.

 

Alfredo Rodríguez (Madrid, España,1976) trabaja en torno al medio fotográfico, sometiéndolo a procesos experimentales de complejidad variable en su estudio y laboratorio. Como punto de partida en su práctica, Rodríguez suele tomar imágenes referidas al cuerpo que acaban transformándose en una presencia equívoca, alejándose de la singularidad de la fisonomía y acercándose a una idea de carne expandida. El tiempo de la química, los materiales fotosensibles, la luz, el cuerpo de su pareja y la huella material de lo fotográfico atraviesan todas las fases de este proceso, dando lugar a un deseo de borrar o a un desvanecimiento del tiempo de la imagen. De este modo, su investigación persigue una conservación enloquecida de lo efímero, al intentar (o «mientras») dotar al conjunto de acontecimientos y materiales de una permanencia estable, como si se tratara de una cristalización. Rodríguez está representado por Espacio Valverde en Madrid y ha expuesto recientemente en el Museo Centro de Arte 2 de Mayo (CA2M) de Madrid, Montecristo Project (Cerdeña), Matadero (Madrid), Sala Arte Joven (Madrid), galería ATM y el Istituto Europeo di Design, entre otros. Estudió fotografía en la Escuela de Arte 10 y se especializó en Historia de los Procesos Fotográficos en la ESCRBC de Madrid. Alfredo Rodríguez trabaja y vive en Madrid, España.

 

Descargar nota de prensa + Bio artistas (PDF)

Descargar plano (PDF)

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Vista de exposición

Fotografía: Pablo Gómez-Ogando

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

Ouka Leele
Sin título, 1988
Polaroid gigante
70 x 55 cm (sin enmarcar)

 

Ouka Leele
Sin título, 1988
Polaroid gigante
70 x 55 cm (sin enmarcar)

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Ouka Leele
Flamenco, 1988
Polaroid gigante
70 x 55 cm (sin enmarcar)

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Vista de exposición

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Ouka Leele
Sin título, 1988
Polaroid gigante
70 x 55 cm (sin enmarcar)

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Ouka Leele
Sin título, 1988
Polaroid gigante
70 x 55 cm (sin enmarcar)

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Ouka Leele
Sin título, 1988
Polaroid gigante
70 x 55 cm (sin enmarcar)

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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La luz que reflejan los cuerpos
danza dentro de mis ojos
Ouka Leele, Polaroids, 1988
10 de junio – 4 de septiembre

Intersticio Madrid está feliz de presentar la primera exposición individual en la galería de Ouka Leele.

Ouka Leele nace en Madrid en 1957, su nombre real es Bárbara Allende Gil de Biedma. 20 Aunque comienza su carrera como pintora, descubre la fotografía como un medio a través del cual expresar su intensa y natural sensibilidad artística. Es en los años 80 en Madrid durante la “movida” cuando comienza a mostrar tu interés en una variedad de disciplinas artísticas como el dibujo, la serigrafía, la pintura y la literatura, resultando en una serie de fotografías llamadas Iconos de su tiempo. En su trabajo fotográfico se pueden reconocer las referencias a civilizaciones antiguas, historias mitológicas, literatura, y mundos íntimos de familia y amigos, ambientados en diferentes escenarios, incluyendo retratos y autorretratos. Sus fotografías sin editar, que son normalmente pintadas a mano en un intento de mostrar la naturaleza humana y de revelar las conexiones entre la vida, las emociones y su traducción al lenguaje artístico.

En 2004 ganó el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid y en 2005 el Premio Nacional de Fotografía. Sus obras pueden encontrarse en numerosas colecciones pública y privadas incluyendo La Colección Arco (Madrid), La Fundacion Cartier (París), La Fundación La Caixa (Barcelona), El Instituto Cervantes (Lisboa), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Tabaco Gitanes (Pares) o el Archivo Lafuente (Cantabria) entre otros. Actualmente tiene una retrospectiva en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, como parte de la edición del Festival de Photoespaña de 2021.

 

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Vista de exposición

Fotografía: Pablo Gómez-Ogando

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Martin Llavaneras
Medicane (Kew), 2021
Termoplástico
135 x 110 cm

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Detalle de:
Martin Llavaneras
Medicane (Kew), 2021
Termoplástico
135 x 110 cm

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Detalle de:
Martin Llavaneras
Medicane (Kew), 2021
Termoplástico
135 x 110 cm

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Martin Llavaneras
Untitled (Kew), 2021
Aluminio y nidos
85 x 60 x 10 cm

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Detalle de:

Martin Llavaneras
Untitled, 2021
Aluminio y nidos
85 x 60 x 10 cm

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Martin Llavaneras
Untitled, 2019
Papel gofrado

Edición de 10
78 x 56 cm

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Martin Llavaneras
Garsa, 2021
Arena, materiales orgánicos
Dimensiones variables

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Vista de instalación

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Martin Llavaneras
Untitled, 2019
Papel gofrado

Edición de 10
78 x 56 cm

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Martin Llavaneras
Medicane, 2021
220 x 135 cm (díptico)
110 x 135 cm (pieza individual)

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Detalle de:
Martin Llavaneras
Medicane, 2021
220 x 135 cm (díptico
110 x 135 cm (pieza individual)

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Delta

Martin Llavaneras

10 de junio – 4 de septiembre

 

Intersticio está feliz de presentar la primera exposición individual de Martin Llavaneras con la galería, incluyendo un nuevo cuerpo de trabajo y una instalación interviniendo el espacio.

 

Los reflejos de luz sobre esta zona encharcada se disponen como una flecha, como una escuadra, como una D. Las golondrinas cruzan de un lado a otro de la valla, después descienden y rozan el agua con sus torsos de plumas. Beben o no beben, se refrescan entre aguas fangosas. “Y qué itinerario tan formidable, la radiación solar, atravesando el universo, circulando por mi estómago tal átomos del naná naná1.”

Días más tarde camino hasta el extrarradio, dejo atrás las naves de Amazon, giro, cruzo, sigo y llego hasta una zona de escombros y barro, vuelvo a cruzar y más allá encuentro el humedal. Un “medicane2” azotó anoche la región y los aviones aterrizan ahora fuera de horario. Desde aquí alcanzo a ver parte de las pistas, la playa y la desembocadura. La arena no es arena ni tampoco barro, el agua se abre paso entre carreteras, marismas y juncos. El ritmo de los aviones contrasta con la quietud del lugar, las corrientes lentas y la sedimentación pausada. El tiempo parece dilatarse hasta ser amorfo.

Después de un rato, sigo caminando hacia el interior del delta. A pocos kilómetros de la ciudad, me adentro en un laberinto viscoso. Cercados y charcos forman un entramado caprichoso y caótico, quizás debido al paso del ciclón. Una brisa fina y húmeda sopla a través de las verjas.

Al fondo una embarcación hace circular la arena que se posa en los bancales de forma caprichosa. Y draga, y draga, y draga. Recorro las marismas entre suelo y charcos, entre un sólido y líquido plagado de bulbos y rizomas. La fertilidad es caótica y contrasta con el orden de las mercancías y personas que la rodean; esperando ser cargadas, desplazadas y reubicadas en posiciones nuevas. Aquí y allá se acumula el follaje, entre el agua dulce y el salitre aparecen especies raras. Del barro surgen unas etiquetas amarillas; arrastradas hasta aquí por el agua y agolpadas unas contra otras. Como el viento que dispersa siglos de taxonomía y objetividad, pasamos de un lugar a otro.

A mi alrededor se extiende un territorio blando como un nido. Este lugar permanece en una descomposición que se mantiene impasible ante mis ojos. Y continúo… De esa observación, de la sensación de deshacerme en un suelo indefinido, me ha quedado un cocktail de frases… “material inconsistente… no como ese flujo de mercancías almacenadas en naves de aeropuerto, que antes de llegar a destino, se pudren.” Hablan mis paseos crepusculares y llegan hasta un punto donde se abre el flujo; donde las cosas flotan y el caudal se expande hasta que el significado se diluye en el cambio de escala.

 

1. El término «piña» se adoptó por su semejanza con el cono de una conífera; la palabra ananá es de origen guaraní, del vocablo naná naná, que significa «perfume de los perfumes». Ananas es una latinización que deriva de la anterior.
2. Un Medicane (de las palabras en inglés Mediterranean Hurricane) es un fenómeno meteorológico similar a un ciclón tropical que se da con escasa frecuencia en el Mar Mediterráneo.

 

 

Martin Llavaneras (El Segrià, 1983) vive y trabaja en Barcelona. Su práctica se desarrolla a través de la escultura y la instalación, explorando diversas formas de circulación de las materias primas. En su trabajo, Llavaneras se sirve de sustancias que atraviesan y sedimentan cuerpos, objetos y palabras, a la vez que examina los ciclos mediante los que sus significados se almacenan, distribuyen y oxidan. Llavaneras estudió Bellas Artes en Bilbao (UPV), Berlín (HTW) y Barcelona (UB). Entre sus exposiciones individuales destacan «Cau» (POLS, Valencia); «Turbaturbo» (La Capella, Barcelona); “Fruit Belt” (Espai 13 – Fundación Joan Miró, Barcelona); “Humus Recalls Curvatures” (Centro de Arte La Panera, Lleida) y «Reengineering Calcium (Blueproject Foundation, Barcelona). Ha expuesto colectivamente en el Centro del Carme Cultura Contemporànea, Valencia; CAPC — Musée d’Art Contemporain de Bordeaux, Bordeaux; ADA Project, Roma; Yaby, Madrid; Meetfactory, Praga; House of Egorn, Berlín; Atelier35, Bucarest; Saliva, Barcelona, entre otros. Ha recibido premios como Barcelona Producció, Premi Art Nou, Injuve, Beca per a la recerca i pensament de la Generalitat; y ha realizado residencias en el CA2M, Centre d’Art i Natura de Farrera y el MUSAC en León.

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Vista de exposición

Fotografía: Theo Christelis

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Katarina Sylvan
Slender , 2020
Tubos de cobre, papel de aluminio,

pintura acrílica, goma laca, pernos
42 x 32 x 210 cm

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Detalle de:

Katarina Sylvan
Slender, 2020
Tubos de cobre, papel de aluminio,

pintura acrílica, goma laca, pernos
42 x 32 x 210 cm

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Katarina Sylvan
Untitled, 2020
Tubos de cobre, peltre,

papel de aluminio, pintura en aerosol,

goma laca, pernos
28 x 26 x 190 cm

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Detalle de:

Katarina Sylvan
Untitled, 2020
Tubos de cobre, peltre,

papel de aluminio, pintura en aerosol,

goma laca, pernos
28 x 26 x 190 cm

 

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Vista de exposición

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Katarina Sylvan
GET INTO YOUR GROOVE, 2020
Disco de vinilo, tocadiscos, madera,

peltre, pigmento, goma laca,

auriculares, amplifica- dor
47 x 37 x 20 cm
Cara A 15:18 min.
Cara B 11:14 min.

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Katarina Sylvan
Table of Contents, 2020
Papel de aluminio, naipes,

pigmento, goma laca, alfileres, óxido, marcador en mdf
122 x 85 cm

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Detalle de:

Katarina Sylvan
Table of Contents, 2020
Papel de aluminio, naipes, pigmento,

goma laca, alfileres, óxido, marcador en mdf
122 x 85 cm

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Katarina Sylvan (+OK-), 2020

Peltre, madera 15 x 15 x 46 cm

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Detalle de:

Katarina Sylvan (+OK-), 2020

Peltre, madera 15 x 15 x 46 cm

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Vista de exposición

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Katarina Sylvan
Radiator, 2020
Tubos de cobre, papel de aluminio, pintura acrílica, goma laca, pernos
28 x 12 x 138 cm

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Detalle de:

Katarina Sylvan
Radiator, 2020
Tubos de cobre, papel de aluminio, pintura acrílica, goma laca, pernos
28 x 12 x 138 cm

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Vista de exposición

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Katarina Sylvan
Foiled, 2020
Papel de aluminio quemado, pigmento, goma laca sobre madera
31,5 x 34 cm

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Katarina Sylvan
Foiled, 2020
Papel de aluminio quemado, pigmento, goma laca sobre madera
31,5 x 34 cm

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Vista de exposición

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Katarina Sylvan
Untitled, 2021
Papel de aluminio, naipes, periódico, pigmento, goma laca, barniz de aluminio, rotulador sobre madera
78 x 59,5 cm

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Somewhere Along Those Lines
Katarina Sylvan
22 de abril – 19 de junio

Intersticio presenta Somewhere Along Those Lines de Katarina Sylvan (1988, SE) , su primera exposición individual en Londres. La exposición se acompaña de un texto escrito por Adam Hines-Green:

Empezaron la entrevista con un aluvión de reclamaciones y en un ambiente informal. El candidato se colocó justo en el centro de la sala en una silla giratoria. Los directores se sentaron de la A a la D, en el sentido de las agujas del reloj, en cada esquina. Las preguntas fueron formuladas por el director A, el director B, el director C y el director D, de forma consecutiva y en ese orden. Los directores A y B se encargaron de la salud y servicios, y los directores C y D de las comunicaciones y habilidades, y aunque ninguno tenía experiencia previa, les encantaba dirigir. Se les proporcionó un vaso de agua, pero pasó desapercibido.

Háblanos de algún momento en el que te hayas enfrentado a una comunicación tóxica.
[B enarca las cejas hacia D, que mira fugazmente a A].

El candidato volvió a contar un relato que empezaba por Érase una vez, y terminaba por Y vivieron felices para siempre, y entre medias recordaron a Tin Man del Mago de Oz. Los colocó bajo una luz excepcionalmente buena. C se dio cuenta de que habían usado una metáfora mixta en un momento dado, pero el candidato no se inmutó. Los directores exigieron al candidato los detalles de su candidatura. El candidato dijo que siempre habían querido unirse a los directores en el otro lado y describió un elaborado pero metafórico mecanismo para catapultarles allí. Los directores les recordaron que la entrevista era para ‘Candidato en jefe’ y no para director, y dado que las cuatro esquinas estaban ocupadas, obviamente actualmente no había ni una vacante para director, pero apreciaron su ambición y todos marcaron a la vez la casilla de ambición y garabatearon competencia a la que se aspira en la linea de al lado.

Háblanos de alguna ocasión en la que estuvieras muy preparado pero fueras infravalorado. [A asiente a C con la cabeza, y luego a D porque C no está mirando en la dirección correcta]

El candidato contó una anécdota de cómo evitaron las travesuras y el caos cuando trabajaban como recepcionistas en un cargo que describieron como bastante serio. Se referían frecuentemente a los individuos apodados como el atentado y la tentativa en distintos aspectos tanto positivos como negativos. Al final, nadie salió bien parado, salvo el candidato, que se lució. El asunto es el siguiente, dijo B, que sacó un expediente encuadernado en cuero de los archivos del sótano de la consulta, un sótano que el candidato desconocía por completo. Hace mucho frío ahí abajo, excelentemente conservados, dijo C. Abiertos como un libro, los expedientes contenían USBs incrustados por el óxido en llaveros ornamentales. Pero también húmedos, continuó C. Estos son los fríos y duros hechos del asunto que nos ocupa. El candidato hizo una mueca para decir que los reconocía como los ruines artilugios de un malvado adivino. Esta era la prueba de un mago que no olvidará. Dejaron de considerar la progresión y se conformaron con la supervivencia. El candidato dijo que habían cambiado de rumbo desde entonces. Empezaron a pensar en ideas terribles, algunas de las cuales rozaban el nihilismo: cables en las bañeras y enchufes que goteaban bajo la lluvia torrencial.Empezaron a emitir sonidos que no eran más que elaborados ummms, ahhhs y hmmms. Hablaban mucho pero no decían nada. Se sintieron inclinados hacia lo inepto. Los directores empezaron a presionar: preguntaron al candidato si estaría dispuesto a recibir un golpe de las cejas para arriba por el equipo. A comenzó a compartir planes sobre el belicismo con sus competidores más feroces, y estrategias agresivas basadas en la artesanía para la remodelación del vestíbulo. B dijo que debían haber olvidado un memorándum, pero siguió diciendo olvidado como si fuera una nostalgia anhelante. C relató las fatales consecuencias de un ruidoso mensaje de voz que giraba en torno a la confusión entre comunicación errónea y comunicación perdida. D compartió su ambición de idear un cortacésped con GPS llamado Clattermole. Esto esbozó las tangentes necesarias para el golpe de gracia.

Háblanos de un momento en el que te hayas sentido eficiente. [De A a D sonríen en orden alfabético]

El candidato pidió que se repitiera la pregunta, y dijo que bueno, cuando tienes un martillo en la mano todo se parece a un clavo y que eso es solo el comienzo, y dijo que otra forma de ver las cosas es que el clavo abofeteó repetidamente al martillo mientras su rostro enrrojecía, pero murió en el intento y fue enterrado con desgana. El candidato empezó a repetir la e-ficiente como si fuera una cosa posada en la palma de su mano, lo que se desintegró en la enunciación de cada letra por separado, e improvisaron con este descubrimiento durante un rato, sustituyendo las consonantes por sonidos de t y k en bucle y las vocales por ruidos guturales relacionados con la diéresis. Se pusieron a llorar, pero no quedó claro si en el éxtasis de la creación o en la miseria del fracaso. En el primer pensamiento claro desde hace tiempo pensaron en su padre, que les dio un consejo en su lecho de muerte desde su trayectoria en el quirófano: –No te limites a hacer algo, quédate ahí. Así que el candidato no dijo nada en absoluto, y los directores no volvieron a preguntar nada. El candidato giraba de director en director en el sentido de las agujas del reloj, hasta el punto de que parecía que el silencio había construido un podio para empezar a bramar:

¡Grito calidad a pesar de todas las pruebas disponibles! ¡Grito calidad! ¡Grito calidad! Grito calidad! y

Estoy hablando de problemas grandes problemas estoy hablando del accidente de coche del siglo y el segundo piso permanentemente inacabado y lo que yo llamo la cadena de patinaje estoy hablando de una especie de viajero de flujo acumulativo y sombreros de hojalata y máscaras de hierro helechos sucios y una lluvia dura cayendo estoy hablando del problema del crecimiento relativo el problema de las líneas rectas el problema de esforzarse mucho y el correspondiente problema de la absoluta e inquebrantable humillación pública y sobre todo estoy hablando de las máquinas de influir y su todopoderoso brillo no puedes ver de lo que estoy hablando no puedes ver

La ofensiva había llegado a su fin. Cuando salieron, patearon accidentalmente el vaso de agua. Hizo una marca de agua en forma de lágrima en la rejilla de las baldosas de la alfombra.

Adam Hines-Green

Katarina Sylvan (1989) es una artista sueca afincada en Londres que trabaja con escultura, texto y sonido. Tras licenciarse en Bellas Artes en la Universidad de Artes y Oficios de Konstfack en 2014, trabajó como pintora escénica en el teatro Riksteatern de Estocolmo y creó obras de arte para lugares como Fylkingen, ФОМО y Into the Valley Festival. Se graduó en el Máster de Escultura del Royal College of Art de Londres en 2019 y desde entonces ha expuesto en Non-Space, Aarhus, Platform, Estocolmo y De:Formal Gallery, entre otros, y en 2021 presenta su obra en solitario en Intersticio, Londres, Galleri K4, Oslo y Cylinder Gallery, Seúl. Su obra ha sido premiada por la Kenneth Armitage Foundation, Gilbert Bayes Trust, Konstnärsnämnden y Konstakademien. Actualmente se encuentra en residencia en la Cité Internationale des Arts de París.

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Descargar lista de obras

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Vista de exposición

Fotografía: Pablo Gómez-Ogando

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Diego Delas
Sol Invictus (Broken Map), 2019
Tintas, oleo acrílico y gouache,

papel de lija y acero dulce sobre papel y madera
161,5 x 147 x 4 cm

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Vista de exposición

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Vista de exposición

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Nora Aurrekoetxea

_Plate, 2020

Cuatro discos de escayola

y pigmentos de jesmonita

Medidas variables

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Julia Creuheras
Fuente de Talismanes, 2020

Galio, estaño, yeso, motor y chip

30 x 20 cm

 

Nora Aurrekoetxea

_Chain_, 2020

Cadenas metálicas

galvanizadas

51 x 5 x 4 cm

 

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Julia Creuheras
Fuente de Talismanes, 2020

Galio, estaño, yeso, motor y chip

30 x 20 cm

 

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Nora Aurrekoetxea

_Chain_, 2020

Cadenas metálicas galvanizadas

51 x 5 x 4 cm

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Vista de exposición

 

Josefina Anjou

Portrait by the window, 2020

Óleo sobre lienzo

62 x 42 cm

 

Lucía Bayón

Leveler II, 2021

Jesmonite, resina de colofonia,
resina de pez negra

74 x 40 x 34 cm

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Josefina Anjou

Portrait by the window, 2020

Óleo sobre lienzo

62 x 42 cm

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Lucía Bayón

Leveler II, 2021

Jesmonite, resina de colofonia,
resina de pez negra

74 x 40 x 34 cm

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Johanna Odersky

Time Keeper IV, 2020

Acuarela sobre papel, termoplástico,

papel de seda y acero

40 x 60 cm

 

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Lucía Bayón

Tempered I, 2020

Cemento sobre tabla,

masilla epoxi, carbón,

resinas vegetales, goma

laca, hierro forjado

30 x 60 x 3 cm

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Maren Karlson

Viriditas, 2020

Lápiz sobre lienzo

48,2 x 35,5 cm

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Maren Karlson
Pupa’s Path, 2020

Lápiz sobre lienzo
48,2 x 35,5 cm

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Maren Karlson
Moth’s Wing, 2020
Lápiz sobre lienzo
48,2 x 18,4 cm

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Maren Karlson
Leaf Song, 2020
Lápiz sobre lienzo
18,4 x 24,1 cm

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Lucía Bayón

Stubborn, 2020

Pulpa de papel, cola, harina,

siena natural, siena tostada, pez negra,

goma laca, algodón,

hierro forjado

60 x 20,5 x 120 cm

 

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Isabella Benshimol

Salmonella Superbugs, 2019

Resina de poliester transparente,

desmoldante oro de 18K,

dientes de leche y camiseta

120 x 80 x 35 cm

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Josefina Anjou

Cloudpainting 1, 2020

Óleo sobre lienzo,

madera seca, roble

tintado, esparadrapo

44,5 x 49 cm

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Josefina Anjou
Cloudpainting 2, 2020

Óleo sobre lienzo, madera seca,

roble tintado, esparadrapo
45 x 59 cm

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Andrés Izquierdo

Departure (mesa), 2021

Madera, poliestireno,

acero, parafina, malla de

vela, barniz sintético

150 x 150 x 115 cm

 

Permanence (silla), 2021

Réplica de la silla Masters

de Philippe Starck

silla, parafina, barniz

sintético

80 x 45 x 45 cm

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Paul Maheke

OOLOI, 2019

Instalación de materiales

mixtos: cortinas, proyección

laser, pintura de pared,

cobre oxidado and esferas

de latón e impresión

digital en vinilo

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Paul Maheke

OOLOI, 2019

Instalación de materiales

mixtos: cortinas, proyección

laser, pintura de pared,

cobre oxidado and esferas

de latón e impresión

digital en vinilo

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Diego Delas
Black Moves Knight / Draws a Line / Makes the Trick, 2015
Gouache, tinta acrílico y lapiz sobre papel, reglas y madera
177 x 148 x 5 cm

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Julia Crehueras
Holy Motors, 2020

Hilo de plata tejido, clavo, fieltro,

huevo de avestruz, motor y chip

70 x 40 cm

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Diego Delas
Los Lares (Demonio Cabezabajo), 2019
Madera contrachapada, tela metálica, arcilla sin cocer, escayola, cemento, tintas, algodón y cola
35 x 31 x 28 cm

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Lucía Bayón
Tempered I, 2020
Cemento sobre tabla, masilla epoxi, carbón, resinas vegetales, goma laca, hierro forjado
40 x 60 x 3 cm

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Paul Maheke
Mago Sessar, 2018 HD video (12 min)

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Paul Maheke

OOLOI, 2019

Instalación de materiales

mixtos: cortinas, proyección

laser, pintura de pared,

cobre oxidado and esferas

de latón e impresión

digital en vinilo

Slide image

Paul Maheke

OOLOI, 2019

Instalación de materiales

mixtos: cortinas, proyección

laser, pintura de pared,

cobre oxidado and esferas

de latón e impresión

digital en vinilo

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Paul Maheke
Les Jaraux, 2019
vinilo impreso
cortesía del artista y Galerie Sultana

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Claro del bosque
Josefina de Anjou, Nora Aurrekoetxea, Lucía Bayón, Isabella Benshimol, Julia Creuheras, Diego Delas, Andrés Izquierdo, Maren Karlson, Paul Maheke y Johanna Odersky
13 de marzo – 22 de mayo

Intersticio presenta “Claro del bosque”, exposición con la que se inaugura el nuevo espacio en Madrid en la calle Alcántara 31, un año después de la apertura en Londres. 

La exposición colectiva presenta obras de Josefina Anjou (SE), Nora Aurrekoetxea (ESP), Lucía Bayón (ESP), Isabella Benshimol (VE), Julia Creuheras (ESP), Diego Delas (ESP), Andrés Izquierdo (ESP), Maren Karlson (DE), Paul Maheke (FR) y Johanna Odersky (CH), explorando los espacios, símbolos, poéticas y rituales vinculados a lo oculto, lo colectivo y su poder sanador y empoderador.

“El claro del bosque es un centro en el que no siempre es posible entrar1.” Cruzamos un umbral hacia un deseo, un sueño, una visión, un lugar para la comunión y para el reencuentro. Es centro productor, pero también el comenzar de una salida. Un espacio de conspiración y susurro, donde navegan fantasmas desvalidos, elucubraciones de futuros y recuerdos escondidos.

El acceso se presenta como accidental, frontal, de noche o de día, es una sorpresa, un porvenir. ‘Es la lección inmediata de los claros del bosque: no hay que ir a buscarlos, ni tampoco ir a buscar nada de ellos2

Aparecen imágenes sostenidas, rememorando vidas encontradas, soplos, deslumbramientos, reliquias de un sueño. Lugares certeros que alumbran un camino,
en ocasiones sesgado. Mapas ciegos que nos sacuden. 

No sabremos cómo entramos
ni recordaremos la salida,
si un claro del bosque nos invita a acceder su sentir originario.

Espacio de profecías, saberes latentes y negados. Rituales diseminados en haceres otros, lugares de proposición que burlan una razón limitante. 

Un escenario para la curación sin saber tan solo cuánto dura ese instante. Un marco para un ritual, atisbos de luz y oscuridad, susurros que atraviesan los pies.

Cruzamos el umbral y mutamos de cuerpos, circulando por un espacio de adoración y pausa, ensoñación y vacío, donde sombras,
juegos,
planos fallidos,
nos envuelven presentando la escucha de las voces del sustrato. 

El claro del bosque es una ofrenda, una curación. Un lugar de encuentro donde mudar de piel, remodelar el vacío, escucharnos, un espacio para un renacer colectivo. 

Y la luz, que aún brilla discordante, se muestra sobre un cielo “discontinuo, él mismo un claro también3 .

1. Zambrano, María. Claros del bosque. (Barcelona: Seix Barral, 1977), p.27
2. Ibid, p.27
3. Ibid, p. 30

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